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首当其冲便是情节和立意取舍。
托孤复仇的主题，在西方歌剧中也有先例，最负盛名的要属威尔第的《游吟诗人》。
比对两部歌剧，《赵氏孤儿》以正义取代复仇、立意凌驾悲剧的处理，牵强附会，造成音乐和剧本给人波澜不惊、平铺直叙的第一感觉。
前二幕中公主、韩厥、公孙与程妻接二连三之死既无可救药地拉长并钝化了听众的感情触觉，也随着几个简单的定音鼓滚奏和乐团全奏白白浪费了潜在的戏剧小**。
第一幕中程婴在公主托孤时反反复复的唠叨则暴露出歌剧的第二个问题：啰唆。
在歌剧中，剧情的发展和情感的引爆，是在剧本解释下的音乐主导。
也就是说，戏剧力的表现是通过音乐体现，而不是唱词的翻来覆去。
纵观歌剧史，很少能在一部主流歌剧中找出将一句简单的唱词重复十几遍的先例。
但邹静之做到了。
雷蕾在处理这些絮叨时也没有找到灵丹妙药，用类似的移调重复，写出了中国歌剧史中本应相当出彩，但却沦为拖沓和累赘的段落。
立意和剧本的偏颇造就了问题重重的第三幕。
程婴的出场在音乐上缺乏铺垫，显得突兀。
群众对程婴的羞辱大合唱具有普罗科菲耶夫《罗密欧与朱丽叶》的影子。
父子阔别18年团聚时除了那十二句重复，简直没有音乐上的处理。
第三幕第二场，歌剧落入《山村女教师》般“招魂”
的俗套。
由于公主、韩厥、公孙与程妻四个角色在前两幕中死去而早早退场，第二场中为他们创造的“还魂”
场景有四五次之多。
“招魂”
场景过多也导致赵武复仇一段在音乐上被不知不觉地带过，在导演手法上则轻易再现了《特里斯坦与伊索尔德》那样趋于静止的舞台调度杀手。
剧终，程婴的唱词试图以“我已无力同行”
突出中国式意境，但在音乐上却以暴力式结尾，全然打破了仅有立意的尾韵。
全盘情节上，洋洋洒洒的三幕歌剧分为前奏和6个场景，共5次下幕7次换景。
换景和下幕次数多并不是值得炫耀的资本，而是剧情安排不当和导演处理不善的结果，也无端破坏了故事的延续性。
比如理查·施特劳斯与霍夫曼斯塔尔合作的《艾莱克特拉》，全长近2小时，为独幕歌剧，无须换景。
不过纵观全局，《赵氏孤儿》比2009年首演的《西施》大有长进。
如果说《西施》是一部歌曲大集锦，那《赵氏孤儿》则借由指挥家和歌唱家的出色发挥，初显“正歌剧”
影子，败笔却在缺乏灵感和不甚考究的“复制+粘贴”
的剧本上。
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